19/11/01, El Mercurio.
La historia de "El empampado Riquelme" revivirá con muñecos

Verónica San Juan

El hallazgo en 1999 de los restos de Julio Riquelme Ramírez en el desierto de Atacama - un funcionario del Banco del Estado desaparecido inexplicablemente en 1956- no sólo obsesionó al periodista Francisco Mouat. Mientras él escribía un libro ("El empampado Riquelme"), en el que profundizaba su investigación realizada para "Revista del Domingo en Viaje"- el actor Víctor Quiroga, ("En el limbo", "El payaso y la vírgen") buscaba traducir al lenguaje teatral la historia de este hombre que tomó el tren en Chillán y dejó esperando a la parentela en Iquique.Un pasantía con actores de la localidad brasileña de Paraty le dio la clave: la historia de Julio Riquelme Ramírez debía ser narrada en silencio, con técnicas de clown e interpretada por muñecos. "Me pareció que la historia de alguien que encuentra a su padre después de tantos años, era una historia demasiado solemne, que merecía un gran respeto", explica el director, quien junto a su esposa Paulina Barrientos y su hija Paloma, de siete años, forman la compañía El Faro."Desaparecido en 1956" es el primer trabajo de esta empresa familiar y será estrenado el 29 de diciembre en la Casa de la Cultura de El Tabo. En enero se trasladarán a Santiago (sala Teatrópolis) y luego iniciarán un recorrido que, por ahora, incluye Talca y Linares.Con tres muñecos como ejes de la historia - el viajero y su hijo Ernesto a los 12 y a los 63 años- la obra narra en ocho episodios los últimos días de Riquelme, desde que aborda el carro de tercera clase hasta que cae exhausto en la pampa. También narra el reencuentro del hijo con el esqueleto intacto de su padre y el velatorio que reunió a la familia dispersa por ciudades de Chile.La compañía adoptó la tesis planteada en el libro de Mouat - el hombre se bajó voluntariamente en la Estación Los Vientos- pero no suscribió ninguna de las posibles razones que explicarían su decisión.La actuación de los muñecos se intercala con la presencia de dos clowns: un extranjero que encuentra el cuerpo y un guardia de la estación de Chillán que notifica al niño de la desaparición de su padre."Ha tenido mucha repercusión la historia de mi padre", comenta desde Iquique Ernesto Riquelme. Además de convertirse en una de las principales fuentes del libro escrito por Mouat, en estos días se prepara para recibir una comitiva de la Policía de Investigaciones que recreará el caso con fines didácticos. "Me parece muy bien que sucedan estas cosas; que vaya redundando la historia, que tome otras aristas y se convierta en algo cultural"."Creo que don Julio tiene una vitalidad increíble", reflexiona el director sobre este hombre cuyos hijos creyeron, durante más de cuarenta años, que los había abandonado. "Esta obra es una de las formas que él ha encontrado para aparecer después de tanto tiempo"

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.10/11/01, El Mercurio.
DIRECTOR Y EMPRESARIO:
Vasco Moulian estrena el montaje más caro de su carrera teatra

lClaudia Guzmán

Difícilmente el actor y director Vasco Moulian (29) volverá a postular a un Fondart. El director encontró hace tiempo a un envidiable financista para sus proyectos de teatro para la familia: la empresa privada. Con ese apoyo estrenará el sábado 16 el montaje "Planetas".El costo total de su nuevo proyecto es cercano a los $80 millones. De eso dinero, $20 millones se destinaron al desarrollo del montaje; los otros $60 millones sirvieron para comprar una carpa de 600 metros cuadrados que tiene capacidad para 300 personas.La estructura, emplazada en plenas Terrazas de Lo Matta (Av. Kennedy con Padre Hurtado), fue traida desde Alemania y servirá como sala propia al grupo Kerubines. Es, además, el lugar adecuado para presentar una obra como "Planetas" (ver recuadro) que utiliza las técnicas del Teatro Negro de Praga y que, por tanto, requiere total aislación lumínica.En definitiva, lo que cuesta el nuevoproyecto teatral de Vasco Moulián es el equivalente a unas 6 ó 7 obras financiados por el Fondart. ¿Cómo logra este actor y empresario el apoyo de la empresa privada? Aquí algunas claves.Gastando las suelas: "Hay que salir, dejar las patas en la calles, tocar todas las puertas y hacer que confíen en tu proyecto", dice el director. Para financiar "Planetas", Moulián se entrevistó con más de 60 empresas. Al fina, tres dijeron sí.Hablando de igual a igual: "Hasta hace unos años los teatristas no nos habíamos organizado para entender nuestro trabajo como un empresa. Era mal mirado. Ahora yo voy a mis reuniones con un proyecto bien presentado, con una maqueta, con los diseños elaborados y hasta con propuestas de merchandising para que ellos regalen a sus clientes", enumera. "Hay que hacer que entiendan que no están haciendo un favor, sino que están haciendo un negocio", concluye el director, que con sus montajes "El libro de la selva" y "El concierto de los pájaros" ha logrado convocar 120.000 y 80.000 espectadores.Fijando los límites desde el principio: Si los artistas no tiene costumbre de negociar con las empresas es porque temen que ellas vayan a alterar el sentido artístico del proyecto. Las concesiones, dice Moulian, tienen que descartarse en la primera conversación: "Me han hecho propuestas indecentes. Algunos empresarios me han pedido transformar sus productos en personaje de la obra. Ése tipo de concesión no la haría por ningún motivo. Se perdería todo el respeto frente al teatro, frente a la gente o frente al producto. Ahí tengo que hacerles entender que si eso pasara, les haría un flaco favor".Enseñando el concepto de autogestión: Moulian dice que sus colegas suelan llamarlo para pedirle consejos sobre cómo financiar sus obras. "Es algo que en las escuelas de teatro no enseñan. Básicamente por el prejuicio, por entender que esto es venderse, ser comercial. Casi todas las escuelas tiene un ramo de producción teatral, pero no es precisamente autogestión".De paseo por las estrellasLa historia de "Planetas" está inspirada en el cuento japonés "Fernando el furioso", escrito por Hiawym Oramy. En esta obra, escrita por Felipe Castro, la protagonista es Rosario (Marina Mutis), una niña que revienta de rabia porque sus padres le prohiben ver televisión.Su furia desata un huracán que rompe la Tierra en dos y ella sale catapultada al espacio exterior. Allá se encontrará con dos guías que la ayudarán a recorrer el universo, a conocer las características de cada planeta y que la defenderán del villano Marte.Serán 14 actores y seis músicos quienes protagonizarán esta puesta, armada totalmente con la estética fosforescente y flotante del Teatro Negro de Praga.En los próximos meses, tal como ha sucedido con los montajes anteriores, el grupo Kerubines editará un disco compacto con la banda sonora de la obra que será distribuido comercialmente.
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08/11/01, La Tercera.
Durante las próximas semanas se estrenan varios montajes
El musical gana espacio en las tablas locales
A la adaptación de Jesucristo Superestrella que se presenta en el Teatro Providencia, le siguen obras de Vasco Moulian, Zelig Rosenman, el Teatro Nacional Chileno y otras agrupaciones.
Sebastian Vasquez El estreno de Superstar 2001, que se presenta hoy a las 20.30 horas en el Teatro Providencia, evidencia el nuevo impulso que vive el género musical en los escenarios locales. La adaptación de la pieza maestra de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, dirigida por Jorge Muñoz junto a un joven elenco de 40 personas, entre cantantes, bailarines y actores, lidera una serie de montajes que combinan el teatro y la música en la cartelera de fin de año.
"Lo que quiero demostrar es que en Chile se puede realizar un musical de la misma calidad, con el mismo profesionalismo de lo que se hace en Buenos Aires, Broadway y España", señala Muñoz, quien ya participó en Greystoke, el Rey de los Monos. El montaje -en cuyos créditos figura la ex Supernova Constanza Lewin como productora- muestra a un Cristo que recorre el mundo vestido con jeans, gana el Premio Nobel de la Paz, recoge al apóstol Pedro entre los pescadores de Chiloé y retorna a Jerusalén para morir por la humanidad.
Pero hay más. El 16 de noviembre se estrena Planetas, obra del actor Vasco Moulian que rescata las técnicas del Teatro Negro de Praga, y donde la música a cargo de seis intérpretes conduce un relato didáctico sobre el universo, especialmente recomendable para niños. El 22 es el turno del Teatro Nacional Chileno que presenta El Círculo de Tiza Caucasiano, del dramaturgo alemán Bertolt Brecht, bajo la dirección de Raúl Osorio, que incluye música en vivo, danza y un elenco de 17 actores. Otro que prosigue en proyectos musicales es el director Zelig Rosenman (Greystoke, el Rey de los Monos, Algo Pasó en la Biblioteca) que actualmente trabaja en la producción de una nueva comedia basada en la prehistórica cultura chinchorro y que se estrenará a fin de año en Arica.
Por último, con la presentación del trío vocal Pink Milk, se inicia este viernes y sábado en la sala SCD, el ciclo Teatristas y Musicantes, con espectáculos que mezclan drama, comedia y partituras. Las funciones prosiguen con Hermanos Martínez Internacional (16 y 17 de nov.), Calenda Maia (23 de nov.) y La Banda de La Pato Gallina (24 de nov.).
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07/11/01, La Tercera.
Rodolfo Bravo
La tragedia de un actor cómico
Con más de 20 años de trayectoria, Rodolfo Bravo encarnó a inolvidables personajes de televisión, teatro y cine. Amigos y compañeros lo recuerdan como un hombre humilde y de un contagioso buen humor.
C. A./S.V Nunca he creído en el éxito fortuito o circunstancial", decía, en 1996, Rodolfo Bravo. En ese entonces su personaje del salvavidas Robinson en la teleserie de TVN Loca Piel acaparaba la atención. "Creo que por eso la gente me dice en la calle que le gustan mis personajes porque son diferentes y le gustan cómo actúo. Eso es lo gratificante", confesaba.
La humildad era uno de los atributos del actor de 49 años fallecido el lunes en un accidente automovilístico. Hasta el cierre de esta edición no se tenía certeza de las causas del accidente fatal. Según cercanos, el actor podría haberse quedado dormido al volante, lo que le impidió tomar correctamente una peligrosa curva a dos cuadras de su casa. Carabineros informó que se está realizando una investigación, cuyos resultados permanecen bajo secreto de sumario.
Amigos y colegas destacan el compañerismo y el buen humor que Bravo supo entregar durante más de 20 años de trayectoria artística. "Podría hablar dos días de él", señaló a La Tercera el actor Roberto Poblete, quien fue gran amigo y cercano colaborador del interprete. "Todo ha sido tan rápido. Estoy muy afectado", agregó el compañero de Bravo en uno de los clásicos del teatro nacional: Los Payasos de la Esperanza.
La obra debutó en 1977 y se presentó en reiteradas ocasiones. Dirigida por Claudio Di Girólamo y escrita por Raúl Osorio y Mauricio Pesutic, el montaje era una creación del taller de Investigación Teatral (TIT) de la Universidad Católica. Rodolfo Bravo había estudiado en esa casa de estudios y fue parte importante en la fundación del TIT.
"En esos años, Rodolfo era alumno mío", explica Raúl Osorio, actual director del Teatro Nacional. "Había estudiado Arquitectura y era muy ordenado. Incluso todavía tengo algunos de sus cuadernos. Desde joven fue un tipo de gran talento, pero sobre todo un gran ser humano".
Pero Los Payasos de la Esperanza no sólo dejó en claro la capacidad actoral de Bravo. "A Rodolfo siempre le interesó mucho llevar el teatro fuera de las salas, buscar el contacto con los pobladores. Era un hombre de una sensibilidad social muy fuerte y también fue muy valiente al hacer teatro en los tiempos difíciles", relata el actor y director Willy Semler.
Desde Limache a la TV
Rodolfo Bravo llegó a estudiar desde Limache. Pero su padre no estuvo de acuerdo con la decisión de su hijo de hacerse actor. "Yo pago una profesión, no un hobby", fueron las palabras con que trató de desalentarlo. Lejos de conseguirlo, el joven insistió hasta que no quedaron dudas de que lo suyo era el escenario.
Junto al Teatro de la Universidad Católica, participó en obras como Almas Perdidas, La Vida es Sueño, El Burgués Gentilhombre, Lomas del Paraíso y La Visita de la Vieja Dama. También es recordado su trabajo en montajes como Muerte de un Anarquista, por el que recibió un Premio Altazor, y con la Compañía Sombrero Verde. En ella montó Los Bufones de Shakespeare, donde fue dirigido por Willy Semler.
"Rodolfo era un gallo que amaba el teatro y su trabajo", cuenta Semler. "Era muy dedicado y tenía una energía innata. Siempre muy gracioso, pero no festinando ni frívolo".
Sus papeles en espacios cómicos como Medio Mundo y Los Cárcamo de Canal 13, Jaguar yu? de Televisión Nacional y en las teleseries Amame, La Torre 10, Fuera de Control, Sabor a ti y Piel Canela, entre otras, dieron cuenta de su versatilidad y la capacidad para construir personajes queribles. "Un actor de la calidad como la suya, siempre era necesario", recuerda el director de Canal 13, Cristián Mason. "Para mí era fundamental en los proyectos de teleseries. Rodolfo era un tipo muy carismático, de gran versatilidad; podía pasar de la mejor comedia a un personaje totalmente opuesto con facilidad".
El cine no quedó fuera de sus intereses. Participó en las cintas Consuelo, No Tan Lejos de Andrómeda, Johnny Cien Pesos y recientemente en El Fotógrafo de Sebastián Alarcón.
Casado en tres oportunidades y padre de un hijo, Bravo entregó sus conocimientos a sus alumnos de la Universidad Católica y otros instituciones donde realizó actividad docente. "Fue un excelente profesor", explica Osorio. "No sólo teorizaba, también fue capaz de aportar con consejos prácticos. Le gustaba mucho la enseñanza y sus alumnos siempre se sintieron muy acogidos y protegidos por su humanidad".
A pesar de la relevancia que tuvieron sus papeles en el teatro, el cine y la televisión, Osorio piensa que Bravo no alcanzó a desarrollar su talento totalmente. "Lo conocí desde sus primeros trabajos. Como comediante y actor dramático siempre mostró mucha versatilidad, pero no tuvo tiempo de demostrar toda su potencia actoral. Le quedaba mucho por hacer".
Durante la tarde de ayer, amigos, familiares y colegas, velaron el cuerpo de Rodolfo Bravo en la Iglesia de San José de Maipo. Hoy, el sacerdote Miguel Ortega realizará una misa a las 11 horas y luego a las 16 sus restos serán trasladados al cementerio Parque del Prado de La Florida.
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30/10/01, El Mercurio.

ESCENA AÉREA:
El teatro local sube a las alturas y vuela

CLAUDIA GUZMÁN

El teatro se está volviendo no apto para espectadores con tortícolis. No. Quizá eso es una exageración. Pero lo cierto es que los teatristas locales cada vez se valen de más herramientas propias del circo, el paracaidismo o el andinismo para poner en vuelo sus creaciones a bordo del llamado "teatro aéreo".En "Nemesio pelao", Andrés Pérez hizo revolotear los pájaros tué tué sobre unos trapecios. Ahora serán ángeles los protagonistas de la acción aérea que trae "La rebelión de los ángeles", el debut en la dirección de Ernesto Anacona."Mi sueño siempre ha sido volar", dice Anacona, quien fue uno de los tué tué que dirigió Pérez. Su formación de siete años al alero del Teatro Circo Imaginario ("Las siete vidas del tony Caluga") y del Gran Circo Teatro ("Nemesio pelao") le dio lo necesario para cumplir parcialmente su sueño y para fundar una compañía de vocación declarada: Teatro en el Aire.Con el grupo - también integrado por ex miembros compañías de circo-teatro- estrenará este jueves la adaptación a las tablas de la novela del Premio Nobel de Literatura Anatole France (ver recuadro).Historia o sensaciones
Trasladar buena parte de la acción teatral al aire era una opción obvia para Ernesto Anacona: "Caía de maduro que para contar una historia de ángeles iba a tener que ocupar las herramientas de teatro aéreo que ya había aprendido y comenzar investigar otras más".De los elementos disponibles, él se quedó con tres: el tradicional trapecio, las telas (largos paños de color que unidos sirven como trapecios) y los arneses de paracaidismo que movilizarán a los ángeles de un lado a otro del escenario."Quisimos experimentar en el lenguaje aéreo, explorarlo. Pero acá todos los elementos están al servicio de una historia. Por eso no incluimos elásticos o benjis. No quisimos saturar. No quisimos partir de la pirueta, de la técnica, sino que de la historia", agrega. "Esencialmente, somo actores", enfatiza.Al otro lado de la frontera se encuentra el grupo Dementia Praecox, con siete años de trabajo en el lenguaje aéreo. En sus puestas en escena, la entrega lineal de una historia no es la meta. Para ellos lo fundamental es generar sensaciones. "No nos importa mucho que se entienda", reconoce Nicanor Molinare, director del ecléctico grupo que reúne actores, escaladores, sicólogos y bailarines.Desde hace meses vienen presentando el espectáculo "Suspiria de profundis", una obra que se presenta en una estructura metálica de 12 metros de alto y que se centra en el libro homónimo de Thomas de Quincey, escritor del 1700 y uno de los primeros artistas en hablar sobre las cualidades y defectos del láudano. Con la imaginería que se señala despertaba esa droga, Dementia Praecox pone en vuelo a sus actores con benjis, arneses y técnicas de escalada libre.A diferencia del Teatro en el Aire, que estrenará en la sala San Ginés, este grupo busca imponer su propio circuito teatral. Por eso sus funciones al aire libre se informan a través del sitio www.pagina.de/demetioteca.Tropa celestialPara montar "La rebelión de los ángeles" el grupo Teatro en el Aire hizo un acto de fe: creer en los ángeles. Desde la religiosidad hasta el esoterismo, investigaron sobre estos seres y adaptaron la novela de Anatole France.
"Los ángeles son un ejército. No son querubines de cachetes colorados, son poderosos. Otorgan la gracia de Dios, hacen milagros y también destruyen ciudades completas", dice Ernesto Anacona.La obra narra el romance entre Gilberta De Aubels y Mauricio D'Espavieu. Una noche la pareja recibe la visita del ángel de la guarda de Mauricio, quien viene a renunciar porque se unirá a una rebelión, al enfrentamiento de Luzbel con Dios. Las tentaciones, las guerras santas y la lucha entre el bien y el mal son los temas de esta rebelión.

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26/10/01, El Mercurio.
Más sabe el diablo...

Verónica Marinao.

La curiosidad mató al gato, pero, al parecer, Pedro Vicuña había olvidado este sabio dicho popular. Debido a su incursión en la dramaturgia, este año había decidido no subirse a un escenario. Por eso, cuando Néstor Cantillana le pidió que trabajara en el montaje de "Cada vez que ladran los perros", Vicuña sólo se comprometió a leer el texto y dio pocas esperanzas al joven actor. Tras la primera lectura hubo un pensativo "mmmmhh", recuerda. Inevitablemente vino el segundo intento, y entonces el "mmmmhh" se convirtió en una exclamación poco decorosa que Vicuña pide no reproducir, pero que simboliza el logro de Cantillana y el resto de la compañía Impasse.Ya contaban para este proyecto con el sí de Naldy Hernández, otra actriz de gran experiencia que había sido seducida por el texto del colombiano Fabio Rubiano Orjuela.Algo similar le ocurrió a Gloria Münchmeyer el año pasado. Consideró tan "brillante y poético" el texto "El lugar común", de Alejandro Moreno, que junto a Willy Semler decidió trabajar con la juvenil compañía El hijo, integrada, entre otros, por Millaray Lobos y Benjamín Vicuña. Semler finalmente se alejó del proyecto, pero Münchmeyer siguió, y hoy define esta experiencia como un verdadero "hito" en su carrera. La parte anecdótica se resume en una lesión de meniscos como resultado del rigor físico que exigía la investigación."Me cuestioné profundamente la eficiencia. Lo que resultaba un día, al día siguiente podía ser borrado", recuerda la actriz. "Con el tiempo uno se va acostumbrando a que las escenas resulten lo más rápido posible, y era rudo ver que eso no es así". Y Benjamin Vicuña explica que al grupo le encantó la humildad con que la Münchmeyer enfrentó el proyecto, sobre todo porque "nosotros somos medios anárquicos y pese a que la admiramos profundamente, a la hora de investigar suponemos que todos partimos de cero".Gloria Münchmeyer explica que, aunque le gustaría tener una experiencia similar, ella no anda "con el prurito de trabajar con los jóvenes" (dice "jóvenes" parodiando un posible tono discursivo), porque le interesa trabajar en buenos proyectos, independiente de la edad.Humildad, mucha humildadLa actriz Naldy Hernández tiene experiencia en este tema: "Yo enseñaba actuación y para mí es natural trabajar con jóvenes, y me cuesta menos que trabajar con gente de mi generación, porque de alguna manera fui testigo de todo un proceso de cambio en la manera de ver el fenómeno teatral. Todos los de mi generación tenemos una escuela bastante conservadora, bastante clásica, de modo que toda la creatividad de las nuevas generaciones para mí fue una señal de que tenía que renovarme. Entendía teóricamente las posiciones de los chiquillos, pero tenía necesidad de experimentarlo como actriz y dejé voluntariamente la docencia hace más de cinco años".Hernández trabajó con Ramón Griffero y ahora cayó en Impasse. "La verdad es que aquí soy yo la discípula y ellos son mis maestros", dice. Su compañero en este montaje, Pedro Vicuña, complementa esta visión: "Tengo la certeza de que el teatro y el arte en general parte de los jóvenes, son ellos los que van renovando y uno de alguna manera debe agiornarse al nuevo punto de vista que muchas veces no coincide con el propio... Eso es lo interesante, uno confronta puntos de vista y se produce un crecimiento".De hecho, entre Cristián Marambio, uno de los miembros de Impasse, y Vicuña hubo discusiones respecto al flujo de la emoción, y a Vicuña le interesó la mirada de la compañía. "Entendí que ellos están en una búsqueda mucho más precisa que la que yo tenía, y eso es lo que a mí me enseña"."Nos interesaba investigar en relación a la emoción del actor más que la supuesta emoción del personaje, pero no tipificarla en un gesto cliché", explica Cantillana.Este modo de trabajar y contener la emoción tiene fascinados tanto a Vicuña como a Naldy, quien además está feliz con las exigencias físicas que le ha impuesto la obra.Usted, don AníbalLa obra "Mac TV" contó el año pasado con la participación de Coca Guazzini. Con temor accedió a los requerimientos del joven director Leonardo Bustos, quien forma una singular compañía con el diseñador Raúl Miranda y el instalador plástico Esteban Sánchez."Generalmente son los jóvenes, aunque no exclusivamente, los que investigan, y a mí no me interesa quedarme pegada en nada. Uno debe estar dispuesta a abrir la cabeza y no seguir repitiendo lo que uno sabe. Después de esta experiencia aprendí a entregarme sin tanto miedo", dice la actriz.Otro ejemplo es el de la compañía Chilean Business, que para montar "De Perlas y Cicatrices", de Pedro Lemebel, invitó a un actor de trayectoria, Aníbal Reyna.Lo único malo de esta experiencia, dice resignado Reyna, es que nunca logró que el director, Rodrigo Muñoz, lo tuteara. Pero explica que es interesante participar en una compañía que está en la búsqueda de algo, puesto que - según él- no siempre hay propuestas claras a las que aferrarse: "Mi papel en este contexto es del aportar una memoria histórica y esperar que ellos hagan cosas que yo no fui capaz de hacer. Yo ya no me juego nada, sólo el estar vigente", dice Reyna. "Pero espero que ellos sí logren encontrar una identidad generacional. Los actores de mi generación nos quedamos sin identidad después de la dictadura y ya no la recobramos, por eso yo deposito las esperanzas en que los que vienen ahora lo hagan".
"Cada vez que ladran los perros"Centro Cultural Matucana 100 (Matucana 100, 682 4502) Viernes y sábado 21 hrs; domingo 20 hrs. $4000 general; $2000 estudiantes, tercera edad y convenios. Dura 135 minutos, con intermedio."De Perlas y Cicatrices"Museo de Arte Contemporáneo (Parque Metro Bellas Artes 09 469 0808, 09 399 1117). Viernes y sábado, 22 hrs; domingo a las, 19 hrs. $4.000 y $2.000. Dura 90 minutos.
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26/10/01, El Mercurio.
"Eva Perón"es elogiada en Francia

"El espíritu de Copi se ha reencarnado", señala el prestigioso profesor y crítico del diario "L'Humanité" Jean Pierre Léonardini sobre el montaje chileno "Eva Perón", dirigido por Marcial di Fonzo Bo.De gira por Europa desde el 16 de octubre y hasta el 17 de noviembre, la compañía hará su última función en París, donde "Eva Perón" fue estrenada hace 20 años. La obra se ha mantenido a tablero vuelto en el Festival Mettre en Scene de Rennes.Los mayores elogios se los ha llevado el trío de hombres en papeles femeninos (Alfredo Castro, Pablo Schwarz y Rodrigo Pérez). Gérard Pernon, del diario "Ouest-France", en tanto, destaca: "Uno sale convencido de haber visto teatro".Entre las razones del éxito de esta obra se cita el sorpresivo retorno de Copi a la escena francesa, donde el dibujante, actor y dramaturgo fue adorado por dos décadas. Además, Marcial di Fonzo Bo, cree que la prohibición en Argentina ha motivado el renovado interés europeo.

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11/10/01, El Mercurio.
Cristina Tocco: La sospechosa de siempre

Verónica Marinao.

La sospechosa...A la farmacia que en los años '80 Los Jaujarana montaron en la televisión chilena, llegaba una mujer que se creía gorda y que se desnudaba para que la balanza marcara menos kilos. La pesita era manipulada, pero ella no lo sabía y, sin tapujos, quedaba en ropa interior. Hoy Cristina Tocco recibe sonriente el recuerdo. "Ah, claro, y siempre me faltaba la última monedita, ¿te acuerdas?", y mientras enciende un cigarrillo se detiene en sus primeros pasos en Chile."Llegué como vedette con mucha libertad porque estaba lejos de mi disco duro el tema de que esto era censurable, no conocía este código de la censura sólo porque cantas y bailas, o por la pesita, ¡me parecía disparatado!, y la verdad es que en ese minuto yo era más libre, porque en ese sentido era más argentina, y Argentina es, como todos sabemos, un país muy cosmopolita donde cada uno hace lo que quiere mientras no le afecte al otro".Bajo la dirección de Luis Ureta, la Tocco acaba de estrenar "El Censor", obra de Anthony Neilson donde ella interpreta a la señorita Fontaine, una productora y directora de películas porno que intenta lograr que su última creación no sea censurada por un burócrata impotente (Rodolfo Pulgar), que es engañado por su mujer (Mabel Farías) y que tiene una fantasía sexual relacionada a una defecación. El personaje de Cristina Tocco intentará demostrar a este censor que tras los actos sexuales propuestos en su filme, hay un subtexto profundo, una historia humana. Es una metáfora "fuerte", que según la Tocco, puede ser trasladada a cualquier otro plano de censura o intolerancia."Posiblemente yo eché mano de la señorita Fontaine porque me veo un poco reflejada. Hay un estado de confort y de comodidad en ella, que es la misma que yo tengo, no se siente prejuiciada, sabe que algunas cosas pueden ser censuradas, pero está tan convencida de su propio criterio que, de verdad, no le afecta en demasía, y quizás no sea accidental la elección de este personaje y tenga que ver con que ya es hora de dejarme ver aún más allá, que no se contrapone con mi imagen sexy, sino que logra ilustrarla un poquito más, en un sentido quizás más intelectual".Tocco reconoce que el año pasado, cuando produjo y actuó "Claro de luna", estableció un juego de seducción verbal con el director Alejandro Goic ("un macho seductor") para lograr - infructuosamente- que su primer desnudo total no fuera tan explícito. Pero con Luis Ureta no hubo ningún jueguito. "Es un tipo tremendamente disciplinado y no me da cabida a que me haga la gatita". Y cuando dice "gatita", la Tocco efectivamente pone cara de minina regalona, pero al rato llega Ureta y ella alaba un análisis que él hizo de la obra. "Tú tan sesudo y yo aparezco diciendo cualquier cosa", se lamenta.Tocco contra ToccoPero en realidad Cristina Tocco no dice "cualquier cosa". Es muy inteligente, y lo sabe. Confiesa que las "tibiezas" le producen "náuseas", reflejando así por qué jamás esquiva una pregunta, y por qué no arruga la nariz cuando asume su carácter empresarial frente a lo que hace. "Es responsabilidad de cada uno quedarse sólo con la primera lectura de las cosas, advierte. ""El Censor", por ejemplo, propone romper esquemas y ver más allá de nuestras narices", dice.- Más de alguna vez dijiste que eras víctima de tu propio personaje (el de la Tocco sensual) ¿Tú asumes parte de culpa en esta percepción que muchos pueden hacer de ti?"No. Yo no te hablaría de culpa, te hablaría de cosas sin resolver. Posiblemente, la culpa es del que no puede ver, pienso que es muy sensata y muy honesta la propuesta sea cual sea, pero desde la integridad. Yo he tenido relación con tremendas prostitutas y también tengo relación con amigas casi santas que han renunciado a lo material. En este sentido creo que tenemos que poder asumir, y poder tolerar, aun cuando no nos sintamos identificadas, uno debe ver, tiene que ver, tiene que percibir, pensar, deducir y escoger, y esta actitud de avestruz dónde sólo vemos lo que queremos ver a mí no me sirve".Cristina Tocco tiene buen olfato para los negocios y ella lo reconoce, pero aclara que siempre hay límites en este terreno. "Yo siempre tuve sentido comercial, y en la medida que empecé a notar que mi perfil de mujer sexy, simpática y francota, me era mucho más rentable que otro, me relajé y me acomodé en ése", dice. "Yo vivo de mi profesión, no reniego de ese personaje porque no es todo personaje, hay algo mío en parte, pero también es cierto que yo lo dejé a este personaje como tal, porque cuando se me llamaba a determinados programas me decían oye, por favor, ven con escote y no te olvides de hablar de los hombres. Entonces por supuesto que si a mí me da de comer un personaje, pues lo sigo haciendo".Tocco continúa: "Lo que me jodía es que de alguna manera se pretendiera que mantuviera las 24 horas al personaje, porque sería aburridísimo; y segundo, porque soy auténtica y de repente no tengo ganas de estar simpática y ya no tengo ganas de estimular a estas alturas fantasías, al menos no esas obvias (...) Lo que sí me interesa es que dentro del perfil Cristina Tocco se empiecen a proyectar otros ángulos. Entonces ahora me encuentro en determinados programas hablando de cosas con mucho más compromiso que hablar de ¿cuál es más coqueto, el hombre chileno o el hombre argentino? , ¿quién es más infiel?, esas pelotudeces me dieron de comer, pero ya pasaron, no por eso voy a renegar de que soy coqueta, porque eso es ser auténtica también".El 24 de octubre, Cristina Tocco también será punto cl, y en su sitio habrá correo sentimental, fotonovelas, y un concurso mensual para cenar con la actriz, entre otras variedades. Además, en diciembre montará un espectáculo musical llamado "Tres minas para el tango", un show con el que se "sacará" el antojo de ser cantante, profesión que por una cuestión de edad, aclara, ya no puede iniciar hoy profesionalmente. "El Censor"Teatro Alcalá (Bellavista 97, 732 7161) Jueves 20:30 hrs; Viernes 22:30; Sábado 20:30 y 22:30 hrs; y Domingo 19:30 hrs. Jueves y Domingo $5.000 general y $3.000 estudiantes. Viernes y sábado $7.000 general. Duración: 75 min.

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10/10/01, La Tercera.
El director de teatro presentó Alice Underground en Italia
Mauricio Celedón habla de su triunfo en Europa con el Teatro del Silencio

Más de dos mil personas vieron el montaje del realizador chileno radicado en Francia, quien prepara dos nuevos proyectos: La Cruzada de los Niños y una obra basada en textos de Shakespeare que será representada por la compañía española Karlik.
Claudio Aguilera "Espectáculo intenso, rabioso, político y profundo", publicó el diario italiano Il Tempo sobre el montaje Alice Underground, del director teatral chileno Mauricio Celedón. Basada en Alicia en el País de las Maravillas e inspirada en sucesos de la historia mundial, la obra se presentó a fines de septiembre en Roma y fue el gran éxito de Le Vie Dei Festival, certamen que reúne a algunas de las mejores creaciones de la vanguardia del teatro.
"Era nuestro primer viaje a Italia y la acogida de la gente fue increíble", cuenta desde Madrid el teatrista radicado en Francia. "Sólo cuando nos presentamos durante el verano en Chile habíamos tenido una recepción parecida. En Italia, llegaron más de 2 mil personas y se generó un gran eco en el mundo intelectual y artístico".
Para Celedón, el éxito de Alice Underground en Europa prueba "la universalidad del teatro. Es eso lo que me interesa hacer con mi trabajo: poder unificar a la sociedad, que se olviden los partidos y las fronteras, que se entienda que todos somos uno y que se recupere al hombre íntegro, total y sin divisiones. Sólo de esta manera podremos comprender y seguir un mismo camino".
La idea de un arte "con sus dos pies en la sociedad" anima también La Cruzada de los Niños, el nuevo proyecto de El Teatro del Silencio. Con fecha de estreno para el 2002, la iniciativa estará centrada en la Declaración de los Derechos del Niño y promete ser uno de los eventos teatrales más importantes de la próxima temporada. "En un momento en que estamos viviendo grandes tragedias mundiales, el teatro no puede hacerse el ciego, el sordo o el mudo. Tenemos que entender, antes de que sean bombardeadas todas las torres, que los niños son nuestro futuro".
Por ahora, Celedón trabaja en la dirección de un montaje basado en textos de Shakespeare que será representado por la compañía española Karlik, la misma con que a principios de año presentó en Chile la obra Palabra de Angel.
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01/10/01, La Tercera.
El sexo fuerte del teatro
Historias de mujeres se toman la cartelera teatral

Con Amparo Noguera, Schlomit Baytelman y Cristina Tocco como rostros protagónicos tres nuevos montajes llegan a las tablas locales confirmando la saludable presencia femenina en el teatro chileno.
Claudio Aguilera Medea está furiosa. Medea se contorsiona como una animal herido. Medea ama y odia. Con Medea no hay perdón y olvido, y el mundo sentirá el peso de su dolor. Ese torbellino de emociones que es Medea toma cuerpo en Claudio di Girolamo, actriz que protagoniza una nueva versión de la tragedia griega dirigida por Rodrigo Pérez.
Compartiendo el escenario con un solidísimo Francisco Melo y los jóvenes José Miguel Jiménez y Sebastián de la Cuesta, es Di Girolamo quien concentra sobre sus hombros una parte importante del peso dramático.
Pero no es el único rostro femenino que encabeza un reparto teatral. Mientras las actrices María Izquierdo y Javiera Contador protagonizan y dirigen las obras Los Ojos Rotos y Habitación 77, montajes integrados sólo por mujeres como Confesiones de Mujeres de 30, Los Monólogos de la Vagina y ¿Quién dijo que los hombres no sirven para nada?, siguen atrayendo público. Y en los próximos días se irán agregando nuevas montajes que tiene como eje central la presencia femenina.
"Desde hace bastante tiempo que estamos haciendo un trabajo de investigación teatral importante", explica la actriz Cristina Tocco, quien a partir del 10 octubre encarnará a la Señorita Fontaine, una productora y directora de cine pornográfico, en la obra El Censor. "Durante mucho tiempo nuestras ideas y anhelos no fueron expuestas o graficadas como quisimos. La libertad de expresión era un derecho masculino. Ahora, queremos que se nos escuche, que se discutan, que se hablen los temas, que se entienda que podemos ser corruptas y santas, angelicales y malvadas".
Escrito por el dramaturgo inglés Anthony Neilson, el montaje se estrenará en el Teatro Alcalá con la dirección de Luis Ureta (Edipo Asesor) y Rodolfo Pulgar en el papel de un funcionario estatal encargado de calificar la última cinta XXX de Fontaine. "El Censor es una obra sobre la tolerancia y la libertad de expresión", afirma Tocco. "Pero no es una obra para todo el público. Es para gente que asuma la realidad, gente con criterio formado que quiere discutir y reflexionar sobre temas que no siempre son sencillos, como la pornografía", agrega.
Unos días antes de que el censor y la señorita Fontaine se sometan a "un juego psicológico muy fuerte y subyugante", al teatro Cultural 602 llegará la obra Alguien va a Venir, del novelista y dramaturgo noruego Jon Fosse. El día 5 de octubre se abrirá el telón para esta historia protagonizada por la actriz Amparo Noguera y dirigida por el guionista de televisión y realizador teatral Víctor Carrasco.
Diálogos opresivos, espacios abrumadores y una misteriosa presencia que acosa a la pareja protagonista son algunos de los ingredientes este montaje. "Ellos buscan un lugar solitario, como apuesta para evitar la muerte y el final. No quieren que nada los moleste, pero alguien interfiere en su planes", explica Noguera. "Es una anécdota muy simple, pero muy profunda y compleja. Es un trabajo intenso y concentrado, con muchas lecturas y todas válidas y reconocibles", agrega.
Sobre su personaje, la actriz explica que se trata de "una mujer que no esquiva las situaciones, que debe afrontar y manejar los conflictos mientras todos los demás se van". En cuanto a la situación de las mujeres en el teatro chileno actual, Amparo Noguera concuerda en que hay un fortalecimiento de la presencia femenina. "El teatro en general ha emprendido una búsqueda de temas distintos y propuestas nuevas, eso hace que afloren visiones nuevas", señala.
El sexo fuerte del teatro Para la actriz, directora y productora teatral Rosita Nicolet es innegable que las mujeres han entrado al teatro para quedarse. Y se trata de una presencia que no sólo se nota en los roles protagónicos o en las historias, sino que también en la fuerza de la dramaturgia y la gestión de nuevos proyectos. "Hemos tomado un lugar de protagonistas por mutuo propio, porque si esperábamos que los hombres nos dieran un espacio no iba a llegar nunca. Hasta los años 80 apenas había mujeres en el teatro, ahora nos estamos tomando la revancha y se está dando un movimiento muy interesante".
"Lo que pasa es que las mujeres somos tremendamente atractivas", dice Schlomit Baytelman, quien interpreta a Ana en la adaptación teatral de la novela Nosotras que Nos Queremos Tanto, de Marcela Serrano, una escritora empeñada en dar a conocer el universo femenino. "Tenemos historias intensas y verdaderas que siempre han sido tapadas, pero que cada vez están saliendo más", señala la actriz.
Dirigida por Christian Villarreal (Santas, Vírgenes y Mártires) y con un elenco que incluye a Mónica Carrasco, Cecilia Cucurella, Eliana Palermo y Nono Hidalgo, el montaje se estrenará el 5 de octubre el Teatro San Ginés y narra las vivencias, amores, fracasos y alegrías de cuatro amigas. Todo con los cambios políticos y sociales que han marcado la historia reciente de Chile como telón de fondo.
"Es una obra que habla de la amistad, la emoción y la forma en que las mujeres ven el mundo", adelanta Baytelman. "Para mí ha sido un trabajo colectivo muy rico y un desafío muy grato. Sobre todo porque mi personaje es una mujer que ha encontrado la serenidad y el equilibrio, y a mí me encantaría ser así"

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.30/09/01, El Mercurio.
LITERATURA FEMENINA:
Las historias de Marcela Serrano perderán erotismo al pasar al teatro

Verónica San Juan

Marcela Serrano preferiría que sus novelas quedaran intactas. Que ni siquiera las tradujeran ni las adaptaran. Con su primera adaptación cinematográfica ("Antigua vida mía") no quedó conforme. Y resistió por meses la oferta de llevar al teatro "Nosotras que nos queremos tanto", su primera novela publicada en diciembre de 1991.Finalmente y ante las sucesivas insistencias del director Christian Villarreal ("Santas, vírgenes y mártires") aceptó, pero esta vez - a diferencia de lo ocurrido con la película- impuso algunas condiciones para llevar a escena la historia de cuatro amigas que, una vez recuperada la democracia, se reúnen en un lago del sur de Chile para analizar sus vidas anudadas, en distintos grados, al proceso político del país.La narradora supervigiló desde Ciudad de México - reside allí desde 1994- el texto redactado a seis manos por Villarreal y las jóvenes dramaturgas Lucía de la Maza y Francisca Bernardi.La obra que debutará el 5 de octubre en el Teatro San Ginés conserva, según Serrano, todo el espíritu de su novela ¿Cómo lo lograron? Aquí algunas claves para entenderlo.Eje narrativo: en la novela es (Shlomit Baytelman), una cincuentona profesora universitaria, quien cuenta las historias afectivas, sexuales, políticas y laborales de sus amigas Sara (Mónica Carrasco), Isabel (Cecilia Cucurella) y María (Eliana Palermo). En la obra todas están a cargo de exponer sus historias a través de diálogos cruzados.Historias secundarias: en las 437 páginas de la novela (edición de bolsillo) circulan historias satélites de tías lejanas, abuelas, hijas, criadas, amigas, madres, compañeras de partido y hermanas. Toda esta galería de personajes secundarios desaparece en la obra.Contexto político: Los distintos niveles de compromiso político de las protagonistas durante la Unidad Popular y el gobierno militar se conservan intactos en el montaje. Incluso, este fuerte componente de la novela fue reforzado en el montaje con una buena parte de la iconografía musical que caracterizó al gobierno de Salvador Allende.Referencias sexuales: aunque en el libro algunas de las protagonistas detallan minuciosamente sus encuentros sexuales, en la obra se optó por disminuir al máximo estas referencias. "En la novela hablan de orgasmos, eyaculaciones precoces, masturbaciones, etc. No nos quisimos detener en eso porque se podía transformar en algo sórdido; en que todo se redujera a hablar sexualmente mal de los hombres para que la gente se riera. Eso no nos interesaba. A Marcela (Serrano), tampoco", explica el director.Presencia masculina: maridos y amantes son aludidos y analizados en igual medida en la novela. En la dramaturgia se optó por darles protagonismo a las relaciones ilegales. ¿Cómo se hizo? El actor Nono Hidalgo ("Edipo asesor") interpreta en las escenas de racconto a seis amantes vinculados a la época de juventud de alguna de ellas.

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20/09, El Mercurio.

Yo, Claudia (y yo, Rodrigo)

Verónica Guarda.

.El camarín de la Sala Agustín Siré está a oscuras. Claudia Di Girólamo da vuelta en su bolso en busca de un encendedor mientras que Rodrigo Pérez desenchufa las estufas que seguramente provocaron una sobrecarga eléctrica. "¿Cuántas había prendidas?", pregunta el director. "Tres. Es que cuando llegamos hacía frío", responde Di Girólamo. La actriz prende el encendedor y camina entre los espejos. La llama se refleja en varios puntos de la pieza subterránea. "¡Mierda! Me quemé". El camarín vuelve a quedar a oscurasEs difícil distinguir algo más que el cigarro que sostiene Pérez, sentado en silencio en un rincón. Desde otro lugar se escucha la voz de Claudia Di Girólamo, "yo me acostumbro rápido a la oscuridad. Empiezo a ver las siluetas blancas de esos pilares". Seguramente está indicando algo con la mano pero es difícil identificar de qué se trata.La luz no vuelve, y la entrevista debe continuar en la sala misma, justo frente a la escenografía de "Medea (versión)", la obra en que ambos actores están trabajando juntos. Al medio del escenario hay una mesa con cuatro asientos, atravesada por una rama gigante que cruza hasta la esquina del techo del teatro. A ambos lados, unas piscinas negras llenas de agua, y en uno de los muros, una gran M roja. Eme de Medea.El mito de esta mujer, traicionada por su esposo y que busca la venganza asesinando a sus propios hijos, ha sido revisada por la literatura infinitas veces desde Eurípides en adelante. "Esta vez, ocupamos los textos del escritor francés Jean Anouilh, como columna vertebral de la tragedia griega de Medea y Jasón", explica el director. "La diferencia es que incluimos a los hijos, que generalmente sólo son nombrados en la obra. La idea nuestra fue rescatar el grupo familiar en el que ocurren las cosas. Mostrar la historia desde un lugar en crisis".Esta decisión tuvo que ver con buscar la proximidad del mito a situaciones que pueden ocurrir en cualquier grupo familiar. Sin perder de vista los grandes temas propios de la condición humana y sobre todo, convirtiendo esta versión en un montaje reflexivo.- ¿Es la opción de hacer un teatro inteligente lo que les hace elegir personajes fuertes, con grandes conflictos, historias terribles...?"Yo creo que no hay una intención de hacer un teatro inteligente", dice Claudia Di Girólamo. "Y encuentro súper válido que exista todo tipo de teatro. Me parece maravilloso que la gente tenga la posibilidad de ver teatro comercial, porque nosotros esperamos que esta obra sea comercial. Que la gente venga, ese es el tema. Que la vea. Nosotros apuntamos a un teatro donde gran parte del contexto lo da el público"- Y en ese sentido es importante que la gente entienda."No sólo que entienda sino que tenga una opinión, un punto de vista" , agrega. "Que reflexione sobre lo que está viendo, que le remuevan cosas. No esperamos que su vida cambie ni mucho menos, pero sí que sea un tipo de texto que les atraviese el corazón. Que se vuelque a una emoción propia'"Y que más allá de lo visceral haya también algo reflexivo", dice Rodrigo Pérez. "Porque si uno optó por esto fue por una necesidad personal de hacer su ejercicio de opinión. Es por necesidad de uno de entender el arte teatral. Para trabajar los temas que a mí me inquietan, me conmueven. Y eso puede cambiar como la vida. Hoy es esto, mañana puede ser otra cosa".- ¿Tiene que ver con un proceso de ustedes de sanar cosas personales también?"Más que nada con sacar hacia afuera lo que uno siente por una necesidad espiritual, porque éste es el lugar que uno eligió para eso", dice Claudia Di Girólamo.- ¿Más que en la televisión?"No necesariamente", acota la actriz. Pérez la interrumpe: "Yo creo que cuando se están sacando cosas desde adentro no hay ninguna diferencia. El formato es distinto. El mecanismo es distinto. Pero en término del uso que uno hace de sí mismo, es igual. Uno es el mismo".- Pero la gente que los está viendo no es la misma. Incluso debe haber personas que vienen a verlos más que por su trabajo en las tablas, por lo que hacen en televisión."Sabís que a mí no me importa por lo que lleguen", Di Girólamo reacciona rápido. "No me importa si vienen porque nos vieron en una teleserie o porque les dijeron que la obra era más o menos buena, o pésima... no me importa. Lo importante es que vengan. Aquí, sentado frente a la obra, le pasarán las cosas que les tengan que pasar no más".- Ser reconocidos por su trabajo en teatro, ¿es importante dentro de lo que hacen como dupla en las tablas?"Yo creo que sí", responde Claudia Di Girólamo. "El reconocimiento como algo general, eso sí, es muy intangible y abstracto. Uno no lo puede manejar. A lo que apunta es a los hechos personales. Si vinieron cien, que a treinta o a cuarenta los haya remecido un poco y lo manifiestan, eso es algo muy maravilloso"."La obra se completa cuando a alguien le llega, porque si no, sería algo autoplacentero", acota Rodrigo Pérez y vuelve a hablar del ciclo que comienza con la actuación y termina con la reflexión por parte del público. "Si no hay alguien que esté escuchando, la obra no está completa".La primera vez"Fue cuando el Rodri... ¿estaban haciendo "La manzana de Adán"?". La actriz que ahora hace de Medea trata de acordarse cuando fue la primera vez que trabajó junto a Rodrigo Pérez. El director la ayuda."Cuando yo llegué de Alemania venía rayado con un tipo de teatro que representa la verdad absoluta sobre el escenario. Donde todas las emociones que ocurren en el escenario son reales. Entonces ví a la Claudia en "Locos de amor" y me impresioné que ella tenía eso que yo andaba buscando. Y que es una cosa que pocas tienen, según yo. Y es esa capacidad de actuar con la verdad absoluta".Después de eso, Pérez hizo un monólogo, una de sus chocheras más grandes, como él dice, y le dijo a la actriz casi en broma si quería representarlo. Y ella le dijo que sí. "Casi me desmayé", Pérez se ríe. "Eso fue el '93 y desde ahí hemos trabajado mucho juntos", agrega el rostro femenino más conocido de TVN.- ¿Y tú te sientes dueña de esa verdad absoluta?"Yo me siento parte de un poder que tiene la palabra y que tiene la fuerza de los personajes que he hecho en teatro hasta ahora. Me siento un instrumento de Rodrigo y eso me da una fuerza in... inconmensurable."Impajaritable", interrumpe Pérez antes de encender otro cigarro. "Medea (versión)
Sala Agustín Siré (Morandé 750, 6965142). Viernes y sábado 21 hrs. $¤6.000 general y $¤3.000 estudiantes, convenios y tercera edad.

13/09, La Tercera.
Se trata de Las Sirvientas
Alfredo Castro dirige obra basada en un sangriento hecho real
Con fecha de estreno para el 2002 y un elenco en el que participa Taira Court y Paola Giannini, el actor montará en el Centro Cultural Matucana 100 Las Sirvientas, obra del dramaturgo Jean Genet inspirada en un asesinato que conmocionó a Francia hace siete décadas.
C. A El día 2 de febrero de 1933 Francia se remeció. En la ciudad de Le Mans las hermanas Christine y Léa Papin habían asesinado cruelmente a una distinguida señora, de apellido Lancelin y su hija. Utilizando un cuchillo y un martillo, las empleadas desfiguraron completamente el rostro de sus patronas, demostrando un ensañamiento pocas veces visto.
Jamás intentaron huir ni negar su culpabilidad. Las jóvenes de 21 y 27 años sólo se limitaron a decir "las masacramos" cuando fueron descubiertas, desnudas y abrazadas, sobre una cama. El escándalo se desparramó como pólvora.
Para algunos se trataba de un hecho insólito, para otros de una muestra más de la lucha de clases y de los abusos de la sociedad dominante. El caso convocó la atención de intelectuales, periodistas, siquiatras y expertos en leyes. Todo el mundo quería dar una opinión frente a un suceso brutal e inexplicable. En favor o en contra, todos se pronunciaban.
Lo hicieron Benjamin Péret y Paul Elouard en el ensayo Le Surréalisme au Service de la Révolution, y Jacques Lacan con su artículo Motifs du Crime Paranoïaque, publicado en la revista Le Minotaure. No se quedaron atrás Jean Paul Sartre ni Simone de Beavoir. Tampoco lo hizo Jean Genet.
Escritor maldito y venerado, ya era conocido por la polémica novela Nuestra Señora de las Flores (1944) cuando se dio a la tarea de crear su primera obra de teatral. El tema elegido fue el caso de las hermanas Papin y el resultado se llamó Las Sirvientas (1947), quizá una de sus obras más afamadas y representadas, también conocida como Las Criadas.
Ahora, el Teatro de la Memoria, bajo la dirección de Alfredo Castro, volverá a recrear la cruenta historia en su próximo montaje. Tomando parte del texto de Genet y situaciones del proceso judicial al que fueron sometidas las francesas, el director y actor estrenará la obra del francés en enero del 2002. El lugar elegido para las funciones será el Centro Cultural Matucana 100, espacio que abrirá sus puertas el próximo 21 de septiembre.
En el nuevo proyecto de Castro, quien se encuentra en Buenos Aires presentando la obra Hechos Consumados, participarán las actrices Paola Giannini y Taira Court. Ambas ya habían estado bajo su dirección en la obra Morir, del dramaturgo catalán Sergi Belbel. Carlos Bórquez será el asistente de dirección y el artista visual Rodrigo Vega creará el vestuario, la escenografía y la iluminación.
Un crimen audiovisual
El impacto del caso Papin, pese a los años, está lejos de haberse extinguido. Aún se publicaban estudios, biografías y obras de teatro que recogen las vivencias de las hermanas. Incluso el cine se ha sentido atraído en más de una ocasión por la mezcla de sangre y locura, amor y odio que posee el macabro crimen.
Ya en 1963, el director etíope-griego Nikos Papatakis realizó Les Abysses, que protagonizaron dos actrices que, como los personajes centrales, eran hermanas en la vida real, Francine y Colette Bergé. Años después fue el turno del estadounidense Christopher Miles, quien se basó en la obra de Jean Genet para realizar The Maids, cinta protagonizada por Glenda Jackson y Susannah York.
Veinte años más tarde, Nancy Meckler tomó la obra Mi Hermana en esta Casa (1981) de Wendy Kesselman, para realizar la película Sister, My Sister, una de las cintas más documentadas y fieles a los hechos reales.
Igualmente la tragedia de Le Mans fue una de las fuentes de inspiración para Claude Chabrol, cuando hizo La Ceremonia (1995), con Isabelle Huppert y Sandrine Bonnaire en los papeles protagónicos. Y recientemente se estrenó Les Blessures Assassines, película dirigida por Jean-Pierre-Pierre Denis y con la actuación de Sylvie Testud y Julia-Marie Parmentier.
Escritor marginal
Jean Genet (1910-1986) no tuvo una vida muy afortunada. Era hijo ilegítimo de una prostituta y durante toda su adolescencia se enfrentó a una serie de procesos por robo y prostitución homosexual. De hecho, en 1947 fue condenado a cadena perpetua por sus continuas detenciones. Mientras estaba en la cárcel, Genet escribió varios libros, y su creciente prestigio movió a un amplio grupo de autores a pedir su liberación, que finalmente fue concedida en 1948. El reconocimiento máximo llegó en 1983, cuando se le concedió el Grand Prix National des Lettres, el premio nacional de la literatura francesa. Entre sus novelas más prestigiosas se cuentan Nuestra Señora de las Flores (1944), El Diario de un Ladrón (1949), El Milagro de la Rosa (1951) y Pompas Fúnebres (1953), y como dramaturgo destacó con Las Criadas (1947), Estricta Vigilancia (1949), El Balcón (1957), Los Negros (1959) y Los Biombos (1961). Todas las obras de Genet expresan su profunda simpatía hacia los desheredados y los marginados de la sociedad, y exponen temáticas como el sexo, el delito y la muerte.

04/09, La Tercera.
La protagonista de teleseries habla de su debut como directora teatral
Javiera Contador: "Este montaje soy yo"
La actriz encabeza un elenco compuesto por Angélica Neumann y Claudia Pérez en el montaje de Habitación 77, del dramaturgo catalán Sergi Belbel.
Claudio Aguilera Javiera Contador habla atropelladamente. Mueve las manos en varias direcciones y busca las palabras exactas para expresar la emoción y ansiedad que le produce el estreno de Habitación 77, el montaje teatral con el que debutará como directora.
Los últimos meses han sido agitados. Junto con las grabaciones de los programas de Canal 13, A la Suerte de la Olla y Quien se la Puede Gane y la reposición de la obra ¿Quién Dijo que los Hombres no Sirven para Nada?., ha debido encontrar tiempo para los ensayos y ultimar los cientos de detalles que significa "ser capitán del buque", como ella dice. Pero, según señala, la energía no es algo que le falte.
"Cada cosa que hago es a concho. Quiero lo que hago, haga lo que haga", declara una actriz que en su corta, pero intensa carrera, ha sido modelo, comediante, animadora, jurado del Festival de Viña del Mar y heroína de teleseries como Loca Piel.
Sin embargo, con Habitación 77 la situación es especial. Para Javiera Contador, la obra que será estrenada el 12 de septiembre en Teatro La Comedia es "lejos el proyecto que más tiene de mí. Son mis gustos, es mi forma de ver las cosas, son mis amigas, es mi estética y mi obra. Soy yo", declara.
Su interés por la dirección es de larga data. "Yo siempre opinaba. Era como una pulga en la oreja. Opinaba tanto que todos me decían "¿por qué no diriges tú tu propia obra y te quedas callada?.", confiesa entre risas. Entonces, cuando surgió la oportunidad, no lo dudó dos veces y se dejó llevar por el primer impulso, algo que, según reconoce, ha marcado su relación con el teatro. "Si pienso mucho las cosas, puedo morir pensando. Prefiero llevarlas a la práctica, porque creo que las cosas se hacen o no se hacen. Y esa es la única forma de ir aprendiendo y forjándose un camino".
Para la actriz, el resultado ha sido un éxito. "Queda por saber lo que diga el público, pero hasta aquí ha sido total. Me gusta mucho nuestro trabajo, creo que es honesto, sobre todo honesto. También ha sido un proceso de mucho aprendizaje y crecimiento. He tenido que hacer de todo: preocuparme del vestuario, de la escenografía, sacar plata del bolsillo. Es como tener un hijo. Quizá no a todo el mundo le va gustar, pero el amor y la entrega que le he dado ha sido sincero".
La tranquilidad
Desde su debut en la teleserie Loca Piel, en 1996, siempre ha repetido que no se siente totalmente segura de su talento como actriz. -¿Es así todavía?.
-Sentirse inseguro es parte de la vida de un actor. No conozco a un actor que se sienta completamente seguro sobre el escenario. En mi caso, creo que soy una actriz más de esfuerzo que de talento. Pero llevo ya un par de años en el escenario y los buenos resultados que he tenido -que no son siempre, pero a veces sí son y me hacen sentir muy contenta- son producto de un largo trabajo. Y si he podido desarrollar mi trabajo es porque hay una materia prima moldeable. Pero también ha dicho que para usted la actuación es un proceso doloroso. Soy una persona de procesos dolorosos, más como actriz que como directora. Pero uno va creciendo y empieza a encontrarle el gustillo al proceso tortuoso que significa interpretar un personaje y deja de ser algo tan preocupante. Sigo estando preocupada, pero tengo una luz que me guía. -¿Por qué decidió probar la dirección?.
-Dirigir era una pasión que tenía desde siempre. Lo encontraba tan alucinante: ver la totalidad, comprender desde afuera, saber cómo era ser el capitán del buque. En la medida en que me siento tranquila conmigo, he podido desarrollar un buen trabajo como directora. Y siento que en especial este año ha sido muy positivo para lograr esa seguridad. He aprendido y lo he pasado mucho mejor en el escenario.
El dolor según Javiera
Habitación 77 es una adaptación de Elsa Schneider, pieza del dramaturgo catalán Sergi Belbel (Caricias). Fragmentario, intenso y conmovedor, el texto se centra en monólogos de tres mujeres: el primero es el de Elsa (interpretado por Angélica Neumann), una quinceañera atormentada que termina con su vida. El segundo, cuenta la trágica historia de la actriz austríaca Romy Schneider (Claudia Pérez), su amor con Alain Delon, la muerte de su ex marido, de su hijo y su propio suicidio. La obra cierra con la intervención de Elsa Schneider (Javiera Contador), quien enlaza los relatos.
"Haber trabajado en comedia me permite abordar un texto tan dramático como éste de una forma distinta", señala la directora. "Hemos buscado una visión propia, experimental, porque me interesa ver el drama desde el otro lado. Mostrar lo doloroso que puede ser una situación, no a través del desgarro sino de las sutilezas, de los contrastes, incluso de la aparente alegría".